Аз съм Рубен Скот, киносъздател и режисьор, който работи както в областта на игралните филми, така и в тази на рекламните продукции.

За последния ми проект, „Различни, но еднакви“ исках да изследвам идеята, че въпреки че всички сме различни, винаги има неща, които ни свързват: споделени интереси, хобита и малки общи неща, които обикновено никога не бихте предположили. Тази идея наистина беше отправната точка за този проект.“”

От самото начало знаех, че снимките ще бъдат доста сложни. Имаше много актьори и доста голям екип. От моя опит този вид организация означава, че постоянно трябва да балансирате между актьорската игра, времето и пространството.

Действието се развива в чакалнята по време на едно проучване, при което хората се съчетават въз основа на споделени интереси, но те разбират с кого са съчетани едва в самия ден. Тази ситуация ни даде чудесна възможност за работа с несигурност и очакване. Това означаваше, че можем да направим нещата прости по отношение на разказването на истории и да позволим на зрителите да направят връзките.

През цялото време се стремихме да сведем движенията на фотоапарата до минимум. Повечето кадри са наблюдателни. Има леки движения на количката и леки промени в кадрирането, когато се налагаше, но нищо, което да привлича излишно внимание. Идеята винаги беше да се съсредоточим върху актьорските изпълнения и да им позволим да водят действието. Тъй като във филма няма диалог, актьорските изпълнения бяха особено важни.

Мястото също изигра огромна роля в оформянето на начина, по който всичко изглеждаше и каква атмосфера създаваше. Снимахме в студио за запис, което вече имаше много характер. Имаше топла дървена ламперия, оранжеви тонове и леко носталгична атмосфера. Това не бяха само четири бели стени и това всъщност ни помогна много. Вместо да се опитваме да построим чакалнята от нулата, можехме да се възползваме от това, което вече беше там.

Това естествено се отрази на подхода ни към осветлението. Използвахме голям, мек източник на светлина отгоре, за да ни даде последователност и да ни позволи да движим FX5 бързо. След това въведохме практични лампи в стаята, за да добавим топлина и дълбочина. Целта беше всичко да се усеща меко и естествено, като същевременно се придава достатъчно контраст, за да се оформят лицата и да се насочи погледът към главния герой в центъра.

Тъй като работехме с комбинация от осветителни тела в кадъра и по-тъмни ъгли в пространството, динамичният диапазон от над 15 стопа стана наистина важен за нас. Имаше много случаи, в които топлите лампи бяха видими в кадъра, а все пак трябваше да запазим детайлите в околните области. Опциите за базово ISO на FX5 също бяха огромна помощ в това отношение. С този фотоапарат не ни се налагаше постоянно да предпазваме светлите зони от преекспониране или да губим детайлите в сенките заради шума.

Комбинацията от новия 16,6-мегапикселов сензор със слоеста структура и обективите Arles Prime се справи фантастично с улавянето на детайлите в близък план при актьорите. Текстурите на кожата и текстурите в костюмите се усещаха невероятно естествени.

Цветовете бяха нещо, към което подходихме съвсем съзнателно още от самото начало. Искахме палитра, която да излъчва жизненост и да е леко вдъхновена от 70-те години, но все пак да остава съвременна. Това щеше да бъде добър тест за фотоапарата. До голяма степен това се дължеше на избора на костюми и сценография, но начинът, по който фотоапаратът улови тези цветове, беше точно това, което търсехме.

Тоновете на кожата бяха особено важни, защото имахме много разнообразен актьорски състав, всички при едни и същи условия на осветеност. Имахме нужда всичко да изглежда цялостно. Това, което забелязах, беше колко стабилни и естествени бяха тоновете на кожата при различните снимачни условия. Това е нещо, което изпитах, когато работих със Sony Venice и Burano. Цветовете и плавният преход в светлите участъци имат характерното за тези системи качество, а този фотоапарат сякаш притежава същите характеристики, но в по-малък и по-гъвкав корпус.

Решихме да снимаме директно във формат 16-битов X-OCN, защото знаехме, че ще ни е нужна пълна гъвкавост, когато преминем към постпродукцията. Имаше моменти, в които леко коригирахме цветовете или настроихме експозицията в някои части на кадъра, а заснетият материал се запази много добре. Нищо не изглеждаше разкъсано или нестабилно. Дори при работа при различни условия на осветеност, тоновете на кожата остават постоянни. Това ни помогна по време на оценяването.

От гледна точка на работния процес, ние работехме със среден по големина екип в рамките на един ден, така че бързата работа беше важна. Това, което се откроява, беше колко лесно фотоапаратът се вписа в ритъма на нашия снимачен график. Това не забави нищо и не изискваше от нас да преосмисляме начина, по който работим.

Тъй като съм работил с Venice и Burano преди, също се интересувах как това се вписва в по-широкия свят на CineAlta. Този фотоапарат не се чувства отделен или като различен клон; усеща се като част от едно и също семейство, просто адаптиран за по-гъвкав вид продукция. Дори структурата на менюто и общата работа Ви се струват познати, което наистина помага при преминаване между различни фотоапарати на Sony в различни проекти.

За мен FX5 проработи, защото ни даде толкова много свобода: свобода да заснемем това, което искаме, без компромиси, свобода да си играем с изображението при постпродукцията и свобода да запазим фокуса върху историята, а не върху оборудването или каквито и да било технически затруднения. Това наистина е нещото, което търся в един фотоапарат.